La fotografia d’autore e il rapporto con le avanguardie artistiche

Agli inizi il rapporto tra arte e fotografia fu un pò controverso, in quanto "l’interferenza" tra i due campi creava qualche diatriba, al riguardo consiglio di leggere questo articolo: La fotografia è una forma d’arte?.

Nei primi decenni del novecento le correnti artistiche che si vengono a formare, svincolano l’arte dalla "Fattura manuale", fu lo stesso Marcel Duchamp a dire che l'arte non va creata manualmente ma va trovata.

Se fino al 1930 circa, l’approccio nei confronti della fotografia d’arte era quello "puro" sostenuto da Stieglitz, e da altri fautori della fotografia quali Ansel Adam e il gruppo f/64, il seguito della storia ci dice che le cose cambiano e non poco; Da notare che il movimento dei fotografi puristi è un movimento tipico americano, in Europa le condizioni sociali erano profondamente differenti, inoltre i governi non avevano interesse nell'uso della fotografia, la fotografia che più si sviluppa è la fotografia d’autore grazie al celebre Henri Cartier- Bresson.

Ora tornando al rapporto tra le avanguardie artistiche del periodo e gli analoghi in fotografia, il primo esponente che mi viene alla mente di segnalare è Alvin Langdon Coburn, il quale ideò la Vortografia, la quale era basata su uno strumento di sua invenzione costituito da una serie di specchi che riproduceva il soggetto fotografico in riflessi pressoché infiniti.

Un'altra parte importante di questo sviluppo è da attribuirsi ai fotografi russi; uno su tutti è El Lissitzky, affiliato al movimento costruttivista, che con il suo "il costruttore" (che potete vedere nella foto in basso) mira ha una forma d'arte chiaramente comunicativa costruita su sovrapposizioni di immagini (a onor del vero va segnalato che esempi di fotomontaggio nella fotografia erano già stati fatti).

El Lissitzky - The Constructor, 1924, London, Victoria & Albert Museum

Andando avanti con gli esponenti dell’epoca, un altro esponente di rilievo è l’ungherese Làzlo Moholy-Naghy, esponente della bauhaus (scuola d'arte ed architettura), i suoi lavori sono vicini al surrealismo e sono opere di interpretazione non lineare. Ora, sicché la lista si farebbe lunghissima ed articolata in differenti ambiti dell’arte, segnalerò qui solo i nomi di alcuni tra i più noti esponenti di diverse correnti artistiche del periodo, rimandando al lettore interessato un'ulteriore approfondimento.

Tra gli esponenti di spicco dell'arte fotografica moderna non si può non citare Man Ray, che con i suoi rayogrammi mirava ad "estrarre" una diversa interpretazione degli oggetti;

Man Ray

Herbert Bayer, il cui celebre scatto "la solitudine del cittadino" rappresenta degnamente l'influsso dell'esistenzialismo; Philippe Halsman, che collaborò anche per alcuni lavori di Dalì.

Philippe Halsman - Dalí Atomicus (1948)

Qui termino l’elenco che potrebbe andare ben oltre.

A fronte di quanto visto fin'ora mi sorge spontanea una riflessione in merito a una questione molto sentita e citata nei vari blog. Molti sostengono che la fotografia debba essere "Pura", in analogia a quanto sosteneva il nostro celebre Stieglitz, ovvero, non troppo ritoccata al computer. Personalmente non ritengo importante quanto una fotografia venga alterata o meno ma quanto la capacità cognitiva di chi si avvicina al mezzo fotografico debba sviluppare per trasmettere ciò che vuole. A mio avviso, l’alterazione di un fotogramma per meglio trasmettere un messaggio è anche ben accetta, ma la modifica di uno scatto per correggere un'errore di ripresa sarebbe una cosa da evitare, non tanto per la qualità che tale fotogramma può o meno acquisire, quanto per imparare a correggerci nel modo di vedere attraverso la fotocamera, non me ne voglia nessuno per un parere espresso da un appassionato ancora fortemente legato alla fotografia analogica vecchio stampo.

Articolo scritto da Alessandro Cappelli

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